История искусств. Просто о важном. Стили, направления и течения

Рисунки выполнялись объёмно, со знанием перспективы. Они прекрасно передают иллюзию глубины пространства и говорят о высочайшем уровне владения живописной техникой. Нередко эти росписи были копиями греческих картин, ни одна из которых не дошла до наших дней. А иногда на стенах римских вилл можно было увидеть изображения греческих статуй, а в домах – копии скульптур. Именно для больших вилл состоятельные римляне заказывали копии с греческих шедевров, что впоследствии дало исследователям возможность изучать греческие статуи.

• Орнаментальный стиль, начало I века н. э. – узоры из растений

Декоративные стили развивались очень быстро, и этот стиль стал популярен к началу I в. н. э. Роспись отдалённо напоминала обои с декоративными орнаментами в виде колонн или канделябров, обвитых растениями. Сюда же включены изображения мифологических сцен, но фигуры гораздо меньшего размера, а иногда среди рисунков встречаются натюрморты.

• Мифологический (фантастический) стиль, середина I в. н. э. – более пышная версия орнаментального

Для этого стиля характерно разделение плоскости стены на небольшие участки при помощи колонн и карнизов, крайне тонких и не претендующих на реалистичность. Получившиеся прямоугольные пространства разных размеров заполняются узорами, изображениями птиц, фантастических существ, а также небольшими панно с красивыми пейзажами.

Он кажется слишком богатым и вычурным, хотя декоративные элементы – тонкие колонны, фронтоны и капители выглядят очень изящно. Этот стиль не ставит перед собой цели создать иллюзию реального пространства, скорее, он является более пышной версией предыдущего.

ДЕКОРАТИВНО-ПРИКЛАДНОЕ ИСКУССТВО

Обустройство любого римского дома предполагало наличие всего, что сделает пребывание в нём полноценным, удобным. Отношение римлян к дому было трепетным, он воспринимался как священный объект. Именно в доме обитали духи предков и домашние покровители римлян, боги-хранители дома – пенаты и лары. Во внутренних двориках домов были небольшие святилища, где регулярно отправлялись их культы. Поэтому обустроить дом и жить в нём полноценной жизнью было для римлян священным долгом.

Из-за внезапной гибели городов Помпеи, Геркуланум и Стабии от извержения вулкана Везувия археологи получили возможность изучить обстановку самых роскошных римских вилл, построенных на рубеже тысячелетий. В распоряжении учёных оказалось огромное количество предметов римского быта – мебель, посуда, светильники и многое другое.

Все они выглядят очень изысканными. Канделябры и посуда, сделанные из бронзы – пример тончайшей работы мастеров. Отношения с бронзой у римлян сложились уже давно, на заре их цивилизации, и к I веку мастерство достигло вершины. Особенно интересно рассмотреть модные в то время столики и табуретки на ножках в виде лап животных. Довольно сложно точно определить вид животного, оно могло быть фантастическим, как, например, грифон. Иногда мебель опиралась на львиные или волчьи лапы, а порой и на копыта. Все ножки слегка изогнутые, часто украшенные растительными мотивами.

Такие приёмы вновь станут популярны в Европе начиная с середины XVIII века, во время большого интереса к искусству римлян, когда будут обнаружены похороненные под пеплом Везувия шедевры.

Предметы обстановки хорошо характеризуют их обладателей. Иногда их привлекала не польза, а внешний вид предметов. Небольшие круглые столики с высокими бортиками служили своеобразной витриной, на которую можно было выставить дорогую посуду из серебра и продемонстрировать гостям вкус и уровень достатка.

В большинстве предметов нет ни одной детали, которая не была бы осмыслена эстетически. Ручки, ножки, дверцы, различные отверстия – в виде человеческих лиц, цветов, растений или рыб на чайниках, печках, самоварах (эти устройства не похожи на привычные нам, однако устроены схожим образом).

Когда-то животный и растительный мир обожествлялся и изображался на священных предметах. Каждое изображение имело глубокий магический смысл.

Но чем дальше идёт искусство, тем лучше виден его путь, от священного смысла к эстетическому эффекту. Поэтому использованные в конце истории Древнего мира образы часто не носили символического характера. Именно отсюда берёт начало дизайн – создание удобных и красивых предметов без какого-либо дополнительного смысла.

Конспект

Римская скульптура начинается с традиции создавать образы предков, которым римляне поклонялись. Отсюда берет начало тенденция и в портретах живых людей как можно точнее передавать внешность. В эпоху Республики эта точность соблюдается, даже если внешность героя неидеальна: для римлян, в отличие от греков, телесная красота не находится в столь тесной связи с духовной.

После наступления эпохи Империи эта традиция видоизменилась из-за необходимости прославлять императора и утверждать величие Рима. Скульптор начинает льстить изображаемому и улучшать его внешность, используя греческие каноны красоты, хотя портретное сходство сохраняется. В дальнейшем римские скульпторы даже начинают прикреплять голову заказчика к заранее изготовленной идеальной фигуре.

Римляне не любят экспериментов, поэтому у них есть всего несколько устоявшихся скульптурных образов, которые тиражируются. Это:

• оратор,

• жрец,

• полководец,

• божество.

Также у римлян, единственных в Древнем мире, встречается конная статуя: прообраз для парадных портретов в более поздние века. Кроме того, в римском искусстве, в отличие от греческого, во множестве встречаются образы уважаемых женщин.

III и IV столетия были сложными для Римской империи. Сильное неравенство в обществе, постоянная борьба за власть и приход к ней случайных людей, часто не из знати, религиозные противоречия – всё это ослабляло римское государство. Неспособность языческой религии примирить общество с возникшими проблемами привела к усилению роли христианства.

В середине III века, при императоре Диоклетиане, власть в Империи была разделена между четырьмя правителями, а в IV веке сама империя раскололась на две большие части – Западную и Восточную.

Столица восточной части империи, Константинополь, стала приобретать силу и богатеть, а западный Рим погружался в кризис, всё чаще подвергаясь набегам разорявших его варваров. От былого величия Рима не осталось и следа, присоединённые к империи территории откалывались, начиналось Великое переселение народов. В 476 году Западная Римская империя пала, и в Константинополь были перемещены знаки императорской власти, после чего он официально стал главным городом восточной империи. Она продолжит своё существование ещё тысячу лет в виде христианского государства, известного под именем Византии.

Средневековье V–XV вв.

Средневековое искусство развивалось совершенно по-разному на территориях, принадлежавших Западной и Восточной Римской империи (которую принято называть Византией). Если Византия унаследовала и частично продолжила богатые традиции римского искусства, то западная часть была захвачена варварами. Они обладали своей самобытной культурой – которой, однако, было далеко до достижений античности.

При этом, как на Западе, так и на Востоке, искусство было религиозно ориентированным – но выражалось это по-разному.

Искусство Византии – это в основном иконы, мозаики и фрески, то есть убранство внутри храмов. А искусство Западной Европы – это предметы быта (во времена варваров) и архитектура (сохранившиеся памятники с X–XI века).

Византии мы посвятим меньше времени, поскольку там довольно быстро установились каноны. Они диктовали как и что нужно изображать и не менялись веками. А на искусстве Западной Римской империи остановимся подробнее: архитектура и другие виды средневекового искусства там прошли огромный путь всего за несколько веков, и интересно это пронаблюдать.

• Средневековое искусство делится на две части: Западная Римская Империя (варвары) и Византия (наследие античности).

• Искусство Средневековья – христианское; в основном оно связано с храмами и их оформлением.

Искусство Византии

Византия известна в первую очередь своими иконами. Мы безошибочно отличаем их от картин по нереалистичности изображения, обратной перспективе (увеличению предметов по мере удаления от зрителя), отсутствию объема и библейским образам.

Помимо икон до нас дошло множество мозаик, фресок и рельефов – то есть, других видов живописи и скульптуры, которые можно найти в храмах.

На пути к средневековью. Христианское искусство вне закона

Во II–III веках н. э. в Римской империи появляется и распространяется христианство. До начала IV века эта религия была запрещена, а её служителей преследовали и жестоко наказывали. Поэтому первые примеры христианского искусства возникают в местах, недоступных обычному человеку, спрятанных и известных лишь посвящённым. Таким местом стали римские катакомбы – пустующие подземные каменоломни. Именно здесь во II веке возникли первые захоронения христиан, а стены этих каменоломен покрылись росписями – сюжетами и образами из Ветхого и Нового Завета.

Вот что было свойственно раннему христианскому искусству.

• Живописцы активно использовали символы – изображение идей через конкретные образы.

Перед художниками того времени стояла сложнейшая задача. Им нужно было показать то, что крайне сложно себе даже представить – бога, святость, небесный мир и связанные с ним чудеса. Это можно было сделать только при помощи символов, способных отразить главные христианские идеи.

Например, хлеб и рыба стали символами Иисуса Христа. Если о хлебе своим ученикам говорит сам Христос на Тайной вечере, то рыба – по-гречески ИХТИС – стала для христиан аббревиатурой, в которой заключены слова: Иисус Христос Божий сын, Спаситель. Рыбу как священный знак, понятный лишь посвящённым, изображали на саркофаге, чтобы обозначить принадлежность умершего к христианской вере.

• Образы заимствовались из более раннего искусства и осмыслялись по-новому.

Хотя старая религия и изобразительные принципы прошлого отвергались христианами, они заимствовали образы из языческого искусства. Атрибуты бога виноделия Диониса – вино, виноград и виноградная лоза – стали символизировать кровь Христа и христианскую веру. Образ бога любви Амура – крылатого младенца – практически без изменений перекочевал в христианский мир в виде ангела, дьявол же внешне напоминает козлоногого фавна.

Интересно, что изображение Иисуса Христа в катакомбах часто давалось символически, например, в виде агнца. Также был популярен образ Доброго пастыря, притчу о котором Иисус рассказывал. Можно сказать, что этот Добрый пастырь – это сам Иисус, а внешне изображение напоминает архаического Мосхофора – древнегреческую статую юноши, взвалившего на плечи телёнка. Это лишь некоторые примеры заимствования и переработки христианами языческих образов.

В отличие от греков и римлян первые христиане не обращались к скульптуре. Так как статуя в сознании верующих была связана с поклонением идолам, мастера были сосредоточены на живописных образах.

• Не было реалистичности, объёма, проработки деталей. Это было не нужно – ведь изображалось божественное, а не земное.

Художники римских катакомб стремились говорить о возвышенном и спиритуалистическом, поэтому отказались от материальной характеристики предметов, а в изображении героев не акцентировали внимание на телесном. Для христианина тело – это воплощение человеческого начала, в то время как новое искусство старалось показать божественное, нематериальное и иррациональное.

В изображениях не подчёркивались объёмы фигур, не было видно богатства красок и фактур, а предметы были встроены в пространство неправдоподобно и неправильно. В такой живописи нет лишних подробностей и обильного декора.

Фон однотонный, как правило, белый, ничем не заполненный. Если вспомнить о фресках на виллах в Помпеях и Геркулануме, объёмных телах и реалистично трактованных деталях, увидим огромные отличия в росписях катакомб, сдержанных, порой суровых, аскетичных, как и сама жизнь первых христиан.

Раннехристианское искусство:

• Символическое изображение идей – рыба как символ Христа;

• Старые образы с новым смыслом: ангелы – переработка образа Амура;

• Возвышенная живопись вместо «языческой» скульптуры;

• Отсутствие реалистичности, акцент на божественном.

Византийская живопись

В начале IV века гонения на христиан прекратились, а затем император Феодосий провозгласил христианство официальной и единственной религией Римской империи. Тогда христианское искусство перестало быть запретным, доступным лишь группам посвящённых, и вышло в мир.

В 395 году Римская империя раскололась на две части – Западную и Восточную, которую принято называть Византией. Её столица Константинополь стала центром развития христианской культуры. А после падения Западной Римской империи в 476 году Византия осталась единственной империей, и там сосредоточились все творческие силы христианского мира.

Помимо религиозной живописи в Византии существовало также и светское искусство, примеров и описаний которого, однако, не сохранилось.

Храм – это важнейшая архитектурная форма для всей эпохи Средневековья. Все службы теперь проводятся внутри, поэтому стало важным внутреннее убранство. Появились мозаика и фреска.

С IV века христианское искусство стало официальным и переместилось из катакомб в храм. Хотя новая религия многое заимствовала из античного язычества, прежний вариант оформления храма не подходил христианству.

В Греции и Риме не было принято отправлять религиозные обряды внутри храма – все ритуалы происходили за его пределами, даже алтари располагались снаружи, поэтому интерьер здания не оформлялся ярко и пышно. Теперь же все христианские службы ведутся внутри, и храм увеличился в размере, огромное значение приобрело его внутреннее убранство, где в большом количестве появились мозаики и фрески – два вида монументальной живописи.

Мозаика – изображение, сделанное из квадратных камешков и цветного стекла, смальты. Стеклянная масса смешивалась с красящим пигментом, затем её делили на небольшие плоские полосы, а после застывания разрезали на кусочки квадратной формы. Из них выкладывались цветные изображения любого масштаба.

Фреска – живопись по сырой штукатурке водорастворимой краской.

Две эти техники были хорошо известны как в Западной Римской империи, так и в Восточной. С появлением христианства они начали служить новым изобразительным целям внутри церкви.

• Оформление храма было строго упорядочено, поскольку оно отражало высший порядок Царствия Небесного. Мозаики и фрески размещались по строгим правилам.

Храм воспринимался верующими как обитель Бога, всё в нем имело смысл и символику. На куполе изображался Иисус, в полукуполе апсиды (выступа, где обычно располагался алтарь) – Богоматерь; на западной стене – сцены Страшного суда.

Поскольку храм был ещё и метафорой мира, то такое его оформление говорило о том, что божественная сила способна упорядочить этот мир.

• Авторы мозаик и фресок обязаны были следовать канонам, а не собственному видению.

Строгий порядок в оформлении интерьера касался и самих изображений. Организация декора предполагала подчинение общим изобразительным правилам, автор не мог привносить собственное видение события в мозаику или фреску. В искусстве были выработаны каноны, то есть особые изобразительные законы, сформировавшие икону как тип живописи.

Каноны сложились окончательно к VI веку, во времена императора Юстиниана Великого.

Пример

Мозаика из церкви Святого Виталия в Равенне – одна из самых древних и знаменитых – отлично демонстрирует особенности нового художественного языка.

Перед нами в ряд выстроилась целая процессия, в центре которой сам император Юстиниан. Слева от него воины, а справа священнослужители – это опора и защита власти. Восставших против правителя всегда может усмирить армия, а церковь напомнит о том, что император – избранник бога. Это также объясняет, почему образ императора мог появиться даже в церкви.

Главные герои в иконе всегда изображены анфас, второстепенные – в профиль. Все участники процессии повёрнуты к нам лицом. Внешне они непохожи – различен их возраст, выражения лиц, причёски. Однако все лица объединяет взгляд широко раскрытых глаз, кажущихся огромными.

Фигуры невыразительны и необъёмны, они кажутся висящими в воздухе. В них, в отличие от лиц, много общего. Одежда производит впечатление драпировки, висящей на вешалке, а не на живом человеческом теле. Если посмотреть на ступни ног, фигуры покажутся висящими, а не стоящими на земле, так как на них не давит вес тела.

Всё, что напоминает о земном мире, исчезает, образ реальности меркнет. Художник не говорит о реальном пространстве и времени, о человеческом и материальном. Он пытается рассказать не о земном, а о небесном, и показать божественное присутствие.

Важно обозначить, в первую очередь, одухотворённость и чудесность небесного мира. Это мир света и вечности. В нем нет зла, смерти, тьмы, начала и конца.

У фигур и предметов нет объема, поскольку для его изображения нужна тень. Тень – это тьма, которой в небесном мире нет места.

Недвижимый и величественный вид героев. Все фигуры неподвижные, нет активных действий и резких жестов. Художник показывает не конкретный момент времени и действие, а нечто вечное, неизменное.

Иллюзию бесконечности поддерживает золотой фон, на котором нет элементов пейзажа. Здесь нет ни природных, ни архитектурных деталей; из-за этого пределов пространства за спинами героев не ощущается, оно бесконечно.

• Материал, из которого была сделана мозаика, также создавал определенный оптический эффект «чудесности».

Золотые кусочки смальты (цветного непрозрачного стекла) хорошо отражали свет, и это создавало эффект мерцания и движения. Поскольку главным источником освещения в церквях были свечи, по поверхности золотого мозаичного изображения постоянно скользили блики света и тени. Это придавало мозаике таинственность и настраивало зрителя на мистический лад.

Для человека, жившего полторы тысячи лет назад, подобные оптические эффекты были чудесным явлением, они вызывали восторг, трепет и должны были укрепить его в вере.

Пример

Подобный эффект хорошо чувствуется в мозаике «Богоматерь Оранта» в Киеве.

Обилие золота вокруг Богоматери, а также в складках её платка, мафория, делает золотое сияние главным героем мозаики. Поскольку в Библии сказано о том, что Бог – это свет, и именно так он является человеку, то золото – это метафора света и явление Бога в этот мир.

Таким образом, мы видим Богоматерь и других героев как бы пронизанными этими лучами божественного сияния. Золото и идущий от него свет – это настоящая божественная энергия.

⁂

• Византийским иконам свойственна аскетичность образов: удлиненные фигуры, строгость, худоба и сдержанность.

Большинство сохранившихся до наших дней византийских памятников живописи позволяют сказать, что это искусство было торжественным и праздничным, оно настраивало человека на возвышенный лад. Вместе с тем образы говорили не о радости земного бытия, а о стойкости верующего. Поэтому часто фигуры святых и Богоматери кажутся нам вытянутыми подобно колонне или свече. Это – знак непоколебимости человека в его вере.

• Лица тоже выглядят вытянутыми, они лишены эмоциональности, не видно признаков возраста.

Для ликов характерны удлинённый нос, маленький рот и огромные, смотрящие в бесконечность глаза. Однако не все образы, созданные в Византии, были столь схематичными.

Развитие образа в византийской иконе

Можно выделить два типа образов: схематические и художественные, наполненные глубоким психологизмом. Это связано со спорами о допустимости жанра иконы вообще – с иконоборчеством.

• Схематические, безэмоциональные образы возникли в результате негативного отношения к иконе в VII–X веках.

Приверженцы иконоборчества отрицали возможность самого существования иконы, приравнивая её к идолу. Поскольку в христианстве идолопоклонство было запрещено, они пытались запретить и сами иконы.

• В результате долгих споров и борьбы Византия отстояла право на иконы, но иконописный образ должен был быть максимально далёким от реального человеческого.

Многие образы, созданные после иконоборческого периода, схематичны и геометричны. Глаза в форме лодочки, круглый чёрный зрачок посредине, нос как будто скульптурно вырублен, лицо симметрично, на нём полностью отсутствуют эмоции. Это называется «великий аскетический стиль», он начинается в первой половине XI века.

Но вместе с тем, когда иконоборческие настроения рассеялись, многие образы стали более художественными.

Лица индивидуальны, черты более живые, щёки покрывает нежный румянец, взгляд проникновенный, глубокий, слегка отрешённый. Взгляд Богоматери глубокий, с оттенком печали. Эта сцена, в которой Мария и Христос соприкасаются лицами, названа «Умиление». Она действительно наполнена тонкой эмоциональностью.

• Наиболее ярким временем в истории Византии стал XIV век: величие и торжественность иконы соединились с живостью и правдоподобием человеческих образов.

Связь с античным искусством в Византии была всегда. Это исконные территории греков, да и история государства начиналась как продолжение Римской империи, унаследовавшей античный художественный опыт.

Пример

Взаимопроникновение античных и христианских традиций хорошо видно в иконе «Двенадцать апостолов», где перед нами при всей величественности и торжественности возникают живые и настоящие человеческие образы.

Так мастера соединяли в священных образах мистическое и античное.

Фигуры апостолов на первом плане развёрнуты в три четверти, драпировки лежат красиво и естественно. Лица индивидуальны: мы видим разный возраст апостолов, разницу их характеров.

При отсутствии видимого сюжета в фигурах всё равно ощущается динамичность, а между героями на первом плане разворачивается немая сцена – как бы диалог, где апостол справа смотрит в книгу в поисках ответа на вопрос обратившегося к нему апостола слева.